Palestra apresentada no âmbito da inauguração da exposição: Arte e Sáude Mental
Curador: Dr. Álvaro Lobato de Faria
A defesa e promoção de actividades relacionadas
com a utilização de recursos artísticos nos serviços de saúde mental
encontra-se, desde longa data, em consonância com uma das directrizes fundacionais
do MAC – Movimento Arte Contemporânea, que se traduz na utilização do processo
criativo como exercício subjectivo para o encorajamento e construção de novas
éticas e estéticas de existência.
Enquanto
Director-Coordenador desta instituição de promoção cultural, foi com enorme
prazer que abracei este projecto a convite do Dr. Álvaro Andrade de Carvalho, Director do Programa Nacional para
a Saúde Mental, que desde já saúdo por mais esta iniciativa que visa, acima de
tudo, a “defesa do direito à livre
expressão artística”, permitindo-se questionar, e até mesmo romper, com as
visões estigmatizadas das pessoas com doença mental, fomentando a sua inclusão
e autonomia.
Contrariando o
modelo baseado no alienismo e no enclausuramento das pessoas com doença mental,
a valorização das competências artísticas dos portadores destas doenças que tem
vindo a ser efectuada pelo Programa Nacional para a Saúde Mental, e que envolve
a luta e a dedicação de muitos intervenientes, evolui pelo esforço comum de humanizar
os tratamentos e pela defesa de um conceito de saúde como direito humano
fundamental, que ultrapassa a ideia simplista da ausência de doenças,
afirmando-se antes como componente primordial da qualidade de vida, da qual o livre
acesso à arte é indissociável.
Numa sociedade
que tem a necessidade de criar padrões, todos os que assumem uma configuração
de diferença, acabam por se tornar incompreendidos, assustam, ameaçam os valores
de “normalidade” instituídos. Este
facto, em muito tem contribuído para o isolamento das pessoas com doenças
mentais como forma de protecção da restante esfera social. Mas apesar deste
medo ampliado, permitam-me afirmar que a arte é esse espaço onde o são e o
insano se conjugam, se confundem, se reconciliam, com total liberdade e
legitimidade.
A inclusão da arte como
terapêutica alternativa no contexto da saúde mental, tem vindo a traçar as
linhas de novos e deslizantes territórios, de contornos ainda indefinidos, onde
as categorias tradicionalmente utilizadas pelos padrões críticos ou estéticos
anteriormente forjados não encontram oportunidade.
A associação
entre as perturbações mentais e a produção artística faz parte da história da
humanidade, ganhando relevância no final do séxulo XIX e atingindo especial
destaque em 1945, data em que o pintor francês Jean Dubuffet realçou esta
pureza do impulso artístico através do termo «Arte Bruta», referindo-se à arte pura, natural, versão livre da
figuração psicológica que
transcende ou ignora a diferença entre as frágeis fronteiras da sanidade e da
inconsciência, que pouco ou nada deve à arte convencional e aos clichés culturais, voltada antes para a
integridade do ser existencial.
Produzida por criadores anónimos,
espíritos exilados e arredados dos circuitos artísticos profissionais, logo,
livres de qualquer influência de estilos oficiais ou imposições de mercado, a Arte
Bruta, mais do que um fim, é um meio, que utiliza as emoções mais profundas
como utensílios de trabalho.
Para compreender toda a
extensão e complexidade das reflexões e afirmações estéticas que estes artistas
propõem, haveria que encontrar e inventar outras categorias e modelos
interpretativos, bem como outros horizontes de entendimento crítico, histórico,
estético ou sociológico.
Fortalecendo e
valorizando a diversidade por via de distintas linguagens e abordagens que
visaram a inclusão, a desconstrução de preconceitos, o incentivo à tolerância e
o respeito pela diferença, os teóricos da Arte Bruta insistem em defender que
aqueles que passam pelo grande sofrimento do rompimento com a realidade, do
mergulho sem protecção nos abismos do inconsciente, podem, por meio da
expressão artística, buscar o caminho de volta para a superfície, e ainda que
ameacem destruir a comunicação comum, possibilitam uma comunicação outra, mais
genuína, mais directamente relacionada com as fontes de criatividade do que a
arte tradicional conscientemente produzida. Ainda que possa existir um corte de
comunicação com o mundo, não existe um corte de comunicação com o outro.
Injustamente
ignorada, criada em condições muito particulares de silêncio e solidão, existe então
esta arte anónima, inconsciente do seu próprio nome e das suas potencialidades,
nomeadamente, da sua espontâneadade e autenticidade expressiva.
Frequentemente
denominada de primitiva, virgem ou crua, esta arte reivindica que a
liberdade da criação é infinita e assiste por direito a qualquer homem, com ou
sem formação específica, detentor ou não de condicionalismos físicos ou
psíquicos.
Por alguma razão,
determinados criadores, habitantes de mundos paralelos, escapam do conformismo
social e dos condicionamentos culturais institucionalizados. Nos domínios da pintura, da
escultura ou da fotografia, estes artistas de invulgar sensibilidade, afirmam
um discurso original, e através dos distintos elementos das suas caligrafias
pictóricas ou escultóricas, multiplicam os diálogos paradoxais da condição
humana.
Ludibriando a razão,
desvalorizam as hipóteses de sentido, de finalidade e de resposta aos “porquês”
que o socialmente aceite tanto
insiste em colocar. Perante as suas obras, a única realidade é a da sua própria
imaginação, mais dependente de um qualquer estado de espírito do que de
qualquer estilo específico, cultivando apenas a crença de que a emoção, a visão
interior, é tão ou mais importante que o mundo concreto.
Seres dotados, detêm
uma vontade livre e em virtude desta liberdade contornam as características
fixas e reguladoras e exprimem um mundo só seu, um mundo que é a reflexão desse
complexo de instintos e pensamentos, sentimentos e emoções, a que chamamos
personalidade.
Marginalizados ou
exclusos, mantêm-se salutarmente inconscientes das tradições académicas ou das
modas vanguardistas, são indiferentes às críticas e, maioritariamente, únicos
destinatários das próprias obras.
Deserdados da
sociedade, agem por instinto, por estados, dores ou delírios de alma – complexos,
intrincados e intensos –, mas falam uma linguagem primordial, um léxico que
recorre a vocábulos puros e acessíveis a todos, e a sua imperiosa necessidade
de expressão enobrece qualquer forma, seja qual for o tipo de suporte, o tipo
de matéria, o tipo de processo para alcançar um resultado.
Fosse aquilo que eles
fazem igual àquilo que todos fazem e ser-nos-ia totalmente desnecessário
continuar a assinalá-los, a relembrá-los, a homenageá-los. Acontece, porém, que
toda a herança estética que nos legam, é necessária precisamente porque nos
impede de descansar em cima de conceitos e valores estandardizados ou canonicamente correctos.
Falar da obra destes estes artistas que não sabem que o
são, é falar do sonho,
logo, não pode ser racionalmente explicável em prejuízo de perder metade do
sentido pelo caminho.
Aceitando a ruptura entre
razão e imaginação, tornamo-nos capazes de validar esse reino imaginário que
nos é estranhamente sinistro, cheio de incongruências que nos perturbam mas, no
limite, nos fascinam. Pelo contrário, se ambicionarmos dissecar este universo, teremos
de tecer complicadas considerações racionais no intuito de explicar coisas que
só os sentidos entendem à primeira. Há em cada pormenor saído das mãos destes
pintores, escultores ou fotógrafos, um elemento mágico que reclama a nossa
atenção.
Ao serem
reconhecidos publicamente como artistas, estes criadores são capturados pela
rede cultural e incluídos na sua órbita, depois de terem vivido um período de
exclusão. Neste sentido, a valorização da auto-estima que a arte possibilita
aos portadores de doenças mentais é significativa da reorganização psíquica e
da reinserção social que a partir deste processo se potencia, exteriorizando e
exorcizando a condição de passividade e incapacidade erróneamente associada à
doença mental.
Crendo que é
condição de qualquer fruidor de obras de arte uma alma de explorador, não
poderia, ao longo da minha carreira de galerista, comissário e curador de arte
contemporânea, deixar de ficar indiferente a estes mundos desconhecidos,
verdadeiros tesouros muitas vezes confundidos com delírios e alucinações, mas
bem reais para as pessoas com doença mental. E não será que o delírio e a
alucinação provêm do mesmo impulso libertador e catártico a que chamamos inspiração?
A imprecisão das
distintas definições de arte que conhecemos, acontece porque em todas elas se
considera como objectivo da arte a obtenção de prazer estético e não o seu
propósito na vida da humanidade. E é bem provável que a arte seja indefinível e
que o eterno debate em torno das suas características particulares seja
inglório, mas de uma coisa estou certo, alcançar a essência da arte passa por deixar
de olhar para ela como um veículo de prazer hedonista e analisá-la como uma das
condições de bem estar da vida humana.
Assim
considerada, a arte é por excelência um meio de comunhão entre as pessoas.
Todas as pessoas. A experiência estética da criação que é hoje utilizada como
forma de expressão e comunicação pelos portadores de doenças mentais, pode e
deve, então, ser rentabilizada no sentido de criar novos territórios de acção
que ultrapassem a simples função terapêutica, proporcionando o enriquecimento
dos reportórios da subjectividade expressiva.
Qualquer obra de
arte faz o fruidor entrar em comunhão com aquele que a criou e,
simultaneamente, com todos aqueles que antes ou depois dele tiveram ou terão a
mesma impressão artística. A particularidade deste meio de comunicação,
distinto da comunicação por via da palavra, consiste no facto de que pela
palavra a pessoa transmite a outra os seus pensamentos, enquanto pela arte, a
pessoa transmite a outra as suas emoções e sentimentos mais profundos e ocultos,
o seu labirinto de significações, o espelho da sua alma.
A função
primordial da arte é então baseada no facto do homem que recebe a expressão de
outro homem ser capaz de experimentar o mesmo sentimento que aquele experimentou
e expressou por sinais, formas, linhas ou cores. Ora, é nesta capacidade das
pessoas serem contagiadas pelos sentimentos de outras pessoas que a terapia pela
arte surge como derradeira intermediária das relações sociais.
A verdadeira arte
é a expressão imaginativa da emoção, da experiência mágica de comungar o
sentimento do outro, que aposta numa certa visão das coisas que é própria das
crianças e talvez de certos adultos, cada vez mais raros, que não são mitigados
por quaisquer experiências “adequadas” e que mantêm viva essa qualidade
infantil de um olhar que ainda não foi distorcido pela influência do pensamento
racional ou dedutivo, um olhar que aceita a correlação das incompatibilidades,
a auto-suficiência das imagens que, pelo acto da intuição poética, se
constituem mistérios que ultrapassam a nossa faculdade lógica.
A arte produzida
por pessoas com doença mental, hoje merecidamente aqui glorificada, evita, por
definição, os olhares alheios dos públicos das galerias ou dos museus, não
reivindica estatutos ou legitimações, antes transgride as normas da “arte
estabelecida”, sendo a sua única preocupação a de criar, a de comunicar
diálogos interiores que necessitam ser exteriorizados. Porque de todas as
formas humanas, a única que não oprime é a arte.
A acção destes artistas
não cabe em compêndios nem em enciclopédias. Na sua ambição pueril, têm-se
isolado para se encontrarem a sós consigo mesmos, num diálogo comprometido com
as pulsões do subconsciente que por vezes só eles entendem, mas que generosamente
doam aos outros homens.
A utilização de
recursos artísticos como possibilidades terapêuticas alternativas, enfatiza, a
meu ver, não só o carácter multifacetado da saúde, que engloba o bem estar
físico, o bem estar psíquico e o bem estar social, mas também a defesa da
diversidade humana, que tem de ser aceite e valorizada como uma virtude e não
como um defeito.
Na arte como na
vida, conviver com a diferença é uma necessidade vital que nos distingue como
seres humanos, e nunca o mundo necessitou tanto dessa convivência e aceitação
como nos dias de hoje.
Porque as pessoas
são pessoas, não são doenças, os sentimentos dos autores que hoje aqui
homenageamos, variadíssimos, fortes, significantes, conscientes ou inconscientes,
contagiam os fruidores da mesma maneira que contagiaram os seus criadores,
constituindo-se as suas emoções as matérias moldáveis da arte.
É na substância dos sentimentos que estes artistas
encontram os seus significantes mais próximos e, através deles, empreendem a
travessia da plasticidade, viagem de lá para cá, num percurso de significação e
transmutação da sua “realidade sonhada”, aqui e além atravessada por um rasgão,
um grito de alerta, como que a dizer: – Eu estou aqui! Também eu tenho o
direito de aqui estar!
Álvaro Lobato de
Faria
Director
Coordenador do MAC
Movimento Arte
Contemporânea
Catálogo da exposição: Arte e Saúde Mental
Texto por Dr. Álvaro Lobato de Faria
"Arte
é tudo aquilo que os homens dizem que é arte"
Num universo
povoado e multiplicado por um sem número de sensibilidades e razões,
resultantes estas de vários sistemas de estrutura gregária é-nos dada a
consciência da existência de uma actividade humana a que chamamos ARTE.
Como diz Dino
Fromaggio: “Arte é tudo aquilo que os homens dizem que é arte"
podemos então assim admitir que qualquer forma de expressão plástica é Arte,
independentemente da sua categorização ou do seu patamar de explicitação ou
catarse.
No entanto, toda
a expressão plástica tem por detrás de si uma forte necessidade de comunicação.
É uma linguagem” permissiva” que abarca toda a possibilidade de comunicação,
mesmo de diálogo interior.
Ainda que esse
mesmo não seja intencional e consciente de mim para o “outro” ou para “eu”
próprio.
A abrangência da
arte é global e presta-se a várias definições e aquisições para o seu “campo”,
havendo uma confusão de conceitos através dos tempos, a partir dos quais os
académicos e estudiosos tentam estruturar e circunscrever aos objectos em acto
que podem e devem figurar no campo da Arte.
Actualmente,
configuramos no campo artístico as pinturas pré-históricas das quais muitos
significados ainda desconhecemos. Porém, essas “obras” contêm já os elementos
plásticos que serviram a Kandinsky para a sua teoria e defesa da Arte
Abstrata.
A diferença
temporal e os vários patamares civilizacionais que decorreram entre a sua
execução é de séculos e só no séc XV e, por razões teóricas, se incluem esses “
grafitis” no território da arte.
A
Arte é expressão interior e objectivação
no mundo exterior
A realidade,
sabemos, não é como a percepcionamos, por isso mesmo é necessária uma
aprendizagem que nos leve a mover-nos no mundo real, no autêntico que, muitas
vezes, nos escapa e confunde.
O individuo que
se sente legado para “círculos” que o marginalizam e estigmatizam por
uma ou outra razão considerada patológica tende a iludir-se no seu “refúgio”
criando à sua volta uma barreira que impede a coparticipação e contacto com os
seres que constituem as estruturas das sociedades na sua complexidade.
Assim, no
subentendimento da expressão plástica podemos tomá-la também como uma
terapia generalizada na comunicação do “eu” para com o mundo, comunicação
essa que por vezes se torna impossível por razões temporais, interculturais ou
de outra ordem.
Para tomar um ou
dois exemplos já consagrados na história mundial da arte, podemos citar um
Baselitz ou um Pollock.
No primeiro caso,
Bazelitz opta por inverter formalmente o que lhe é representado como real, como
se a ordem das forças físicas que nos mantem se invertessem e o mundo vivesse
ao contrário de si próprio.
Poder-se-ia
apostar aqui num tipo de análise que não cabe no nosso campo, tal como acontece
com Pollock em cuja obra impera o caos que não sabemos se dominava na sua
atmosfera psíquica ou se o autor quereria comunicar ao mundo um ”retrato de
época”.
Falando também
de intervenções que podem ser consideradas como artísticas e de integração
consideraremos a arte infantil. No campo da arte infantil encontramos
várias criações de “novos mundos” para a criança, de forma a auto inserir-se no
mundo que a rodeia, mas à sua maneira. Por uma forma que a pouco e pouco, ela
possa compreender o mundo que a rodeia, apresentando-o de início como quer (de
uma forma simbólica) e impondo ou opondo, desde logo, o seu “posicionamento”
individual ao seu autêntico habitat social.
De qualquer
forma a terapia pela expressão plástica é extensível aos considerados
artistas consagrados. A obra constitui um acto catártico em que o autor se revê
como se o mundo fosse, não como é , mas como ele quereria que fosse. É a
aproximação a uma outra realidade, a uma necessidade de vivenciar um outro
mundo feito à sua imagem interior.
A
inserção social da obra contribui para a subjectividade do seu autor.
É na expressão
do seu interior que o autor se propõe mostrar ao mundo tal como é, na sua
fragilidade e potência, num modo terapêutico de autoconhecimento e realização
de identidade.
Essa
expressivadade do sujeito pode ser vista não só como uma defecação mental mas
também como um potencial acesso ao outro, ou seja, ao aparecerem no âmbito de
uma exposição - acto social - estas obras serão vistas por outros,
o que acentua a subjectividade do autor por meio de um entrelaçamento
intersubjectivo com aquele que contempla a sua obra.
O autor, e em
particular nestes casos, é assim retirado da sua quase absoluta solidão e
integrado mesmo que parcialmente, num circuito social.
As iniciativas
deste género são assim, verdadeiros contributos para combater um dos maiores
flagelos dos nossos tempos: a solidão humana.
Álvaro Lobato
de Faria
Director
Coordenador do MAC - Movimento Arte Contemporânea
Divulgação internacional:
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